Monica Moroni - (H)Armonies: New Music Dialogues for Flute (2025)

Tracklst

01. Celtic Suite No. 2
02. Melodia Sentimentale
03. Voce
04. Anime
05. S'ode ancora il mare
06. Nocturne, Op. 9 No.2
07. Mon
08. Russisches Zigeunerlied, Op. 462 No. 2
09. A Friend in the East
10. Canzoni delle libellule elettriche
11. Nakoda

This recording originates from a long artistic, personal, and cultural journey that began in my homeland, the Republic of San Marino, and has since carried me, together with my flutes, to many parts of the world. Its title, Armonies, is a playful anagram that entwines the name of San Marino with my own surname and that of my beloved teacher Annamaria Morini (1950–2016); at the same time, it recalls the very harmonies of sound, those universal symbols of beauty, peace, and intercultural dialogue that transcend borders and epochs.
The instruments employed—the C flute, the alto flute, and the bass flute—serve here as companions in this journey, opening pathways across compositional styles, sonic languages, and artistic visions. Far from being confined to the traditional repertoire, they become voices of experimentation, memory, and renewal, instruments through which composers have sought to embody narratives, landscapes, and emotions.
Renzo Paniccia’s S’ode ancora il mare (1992), recorded here for the first time, is emblematic in this regard. Inspired by the poetry of Salvatore Quasimodo and dedicated to Annamaria Morini, the work is conceived for both C and alto flute. Its sonorities, shaped by breath-infused sounds, flutter tonguing, harmonics, trills, tremolos, key clicks, and slap tonguing, are structured to evoke the waves of the sea—a metaphor for the ebb and flow of human existence and for the inner voice that resounds in silence.
No less evocative is Mon (2024), dedicated to Monica Moroni, written by Daniele Venturi, after a long period of illness. Here the solo flute narrates a delicate awakening, a rebirth symbolised by semi-closed embouchures, vibrato inflections, oscillations of the instrument’s body, whistle tones, glissandi, and vocal-like timbres. What emerges is music that moves between fragility and resilience, embodying both the intimacy of convalescence and the promise of dawn.
The dialogue between voice and instrument is taken to its limits in Nakoda (2002) by Ellen Lindquist. Written for alto flute, the work recalls the tragic fate of Nakoda, an alpha female wolf legally killed in Canada. Through boccola glissandi, breath sounds within the embouchure, slap tonguing, and whistle tones, the piece dramatizes the pursuit, the howl, and the end—a lament dedicated to the cause of predator conservation.
The theatrical dimension of sound is equally central to Toru Takemitsu’s Voce (1971), for C flute. Here the flutist speaks directly into the instrument—“Qui va là? Qui que tu sois, parle, transparence!”—transforming language itself into resonance. Combined with flutter and double tonguing, whistle tones, harmonics, and wide dynamic variation, this becomes a meditation on the porous boundaries between voice, breath, and instrument.
In sharp contrast stands Gabrio Taglietti’s Canzoni delle libellule elettriche (1988), a playful and ironic dance where tremolos, glissandi, trills, flutter tonguing, and whispered breath animate an oneiric world of dragonflies. Their fragile wings become sonic images of suspended, imaginary landscapes, full of shimmering contrasts and dreamlike suggestions.
Placed alongside these contemporary explorations are works that link past and present in surprising ways. Herman Beeftink’s Celtic Suite No. 2 (2015), with its sequence of Adagio – Moderato – Andante scherzando – Allegro animato, is inspired by Celtic modality and rhythm, combining meditative breadth with lively vitality. Rocío Cirugeda’s Melodia Sentimental (2023), for bass flute, is a deeply personal tribute to the composer’s late mother: the instrument’s warm resonance conveys nostalgia, intimacy, and luminous simplicity. Giuseppe Mario Finocchiaro’s Anime (2024, world premiere), for alto flute, sets two souls in motion, their voices intertwining in poetic flight before merging into a single suspended song.
The Romantic legacy is reimagined in Fryderyk Chopin’s Nocturne Op. 9 No. 2, here in a recent transcription (2024) by Elzabieta Podolak for bass flute. What is familiar to the ear becomes transfigured: the nocturne’s lyricism acquires unexpected weight and depth in the instrument’s darker register. A similar act of re-voicing occurs with Wilhelm Popp’s Russisches Zigeunerlied Op. 462 No. 2 (1896), adapted for solo flute from a celebrated Gypsy song, blending nostalgia with dramatic impulse.
Katia Tiutiunnik’s A Friend in the East (2025, world premiere), for solo flute, closes the circle in a spirit of intercultural dialogue. Dedicated to Monica Moroni, it celebrates the friendship between San Marino and China. Its modal inflections and meditative lines embody music as a meeting point between cultures, echoing the overarching theme of Armonies.
Together these works form not a mere succession of pieces but a coherent itinerary through sound. They reveal the flute as an instrument capable of extraordinary versatility: capable of embodying the sea’s immensity, the fragility of dragonflies, the howl of a wolf, the intimacy of grief, and the joy of rebirth. They invite the listener to recognise in music not only virtuosity, but also testimony—an art of memory, transformation, and dialogue.

Questa registrazione nasce da un lungo percorso artistico, personale e culturale iniziato nella mia terra d’origine, la Repubblica di San Marino, e che da allora mi ha condotta, insieme ai miei flauti, in molte parti del mondo. Il titolo, Armonies, è un anagramma giocoso che intreccia il nome di San Marino con il mio cognome e quello della mia amata maestra Annamaria Morini (1950–2016); al tempo stesso richiama le stesse armonie del suono, simboli universali di bellezza, pace e dialogo interculturale che trascendono confini ed epoche.
Gli strumenti impiegati — il flauto in do, il flauto contralto e il flauto basso — fungono qui da compagni di viaggio, aprendo varchi attraverso stili compositivi, linguaggi sonori e visioni artistiche. Lungi dall’essere confinati al repertorio tradizionale, diventano voci di sperimentazione, memoria e rinnovamento, strumenti attraverso i quali i compositori hanno cercato di incarnare narrazioni, paesaggi ed emozioni.
S’ode ancora il mare (1992) di Renzo Paniccia, qui registrato per la prima volta, è emblematico in tal senso. Ispirato alla poesia di Salvatore Quasimodo e dedicato ad Annamaria Morini, il brano è concepito per flauto in do e per flauto contralto. Le sue sonorità — modellate da suoni intrisi di respiro, frullato di lingua, armonici, trilli, tremoli, colpi di chiave e slap tongue (schiocco di lingua) — sono strutturate per evocare le onde del mare: metafora del flusso e riflusso dell’esistenza umana e della voce interiore che risuona nel silenzio.
Non meno evocativo è Mon (2024), dedicato a Monica Moroni e scritto da Daniele Venturi dopo un lungo periodo di malattia. Qui il flauto solo narra un delicato risveglio, una rinascita simboleggiata da imboccature semi-chiuse, inflessioni di vibrato, oscillazioni del corpo dello strumento, whistle tones (suoni fischiati), glissandi e timbri di natura vocale. Ne scaturisce una musica che si muove tra fragilità e resilienza, incarnando insieme l’intimità della convalescenza e la promessa dell’alba.
Il dialogo fra voce e strumento è portato ai suoi limiti in Nakoda (2002) di Ellen Lindquist. Scritto per flauto contralto, il brano rievoca la sorte tragica di Nakoda, lupa alfa uccisa legalmente in Canada. Attraverso glissandi d’imboccatura, suoni di respiro all’interno dell’imboccatura, slap tongue e whistle tones, il pezzo teatralizza l’inseguimento, l’ululato e la fine — un lamento dedicato alla causa della tutela dei predatori.
La dimensione teatrale del suono è altrettanto centrale in Voce (1971) di Tōru Takemitsu, per flauto in do. Qui la flautista parla direttamente dentro lo strumento — «Qui va là? Qui que tu sois, parle, transparence!» — trasformando il linguaggio stesso in risonanza. In combinazione con frullato e doppia articolazione, whistle tones, armonici e ampie escursioni dinamiche, ne nasce una meditazione sui confini porosi tra voce, respiro e strumento.
In netto contrasto si collocano le Canzoni delle libellule elettriche (1988) di Gabrio Taglietti, danza ludica e ironica in cui tremoli, glissandi, trilli, frullato e respiro sussurrato animano un mondo onirico di libellule. Le loro fragili ali diventano immagini sonore di paesaggi sospesi e immaginari, colmi di contrasti scintillanti e suggestioni sognanti.
Accanto a queste esplorazioni contemporanee compaiono lavori che legano passato e presente in modi sorprendenti. La Celtic Suite n. 2 (2015) di Herman Beeftink, con la sequenza Adagio – Moderato – Andante scherzando – Allegro animato, si ispira alla modalità e alla ritmica celtiche, combinando ampiezza meditativa e vivace vitalità. Melodia Sentimental (2023) di Rocío Cirugeda, per flauto basso, è un tributo profondamente personale alla madre della compositrice: la calda risonanza dello strumento veicola nostalgia, intimità e luminosa semplicità. Anime (2024, prima assoluta) di Giuseppe Mario Finocchiaro, per flauto contralto, mette in moto due anime le cui voci s’intrecciano in volo poetico fino a confluire in un unico canto sospeso.
L’eredità romantica è reimmaginata nel Notturno op. 9 n. 2 di Fryderyk Chopin, qui in una recente trascrizione (2024) di Elzabieta Podolak per flauto basso. Ciò che è familiare all’orecchio viene trasfigurato: il lirismo del notturno acquisisce peso e profondità inattesi nel registro più scuro dello strumento. Un’analoga rilettura timbrica si riscontra in Russisches Zigeunerlied op. 462 n. 2 (1896) di Wilhelm Popp, adattato per flauto solo da un celebre canto zingaro, fondendo nostalgia e impeto drammatico.
A Friend in the East (2025, prima assoluta) di Katia Tiutiunnik, per flauto solo, chiude il cerchio in uno spirito di dialogo interculturale. Dedicato a Monica Moroni, celebra l’amicizia fra San Marino e la Cina. Le sue inflessioni modali e le linee meditative incarnano la musica quale punto d’incontro tra culture, in consonanza con il tema portante di Armonies.
Insieme, questi lavori non compongono una semplice successione di brani, ma un itinerario coerente attraverso il suono. Rivelano il flauto come strumento di straordinaria versatilità: capace d’incarnare l’immensità del mare, la fragilità delle libellule, l’ululato di un lupo, l’intimità del lutto e la gioia della rinascita. Invitano l’ascoltatore a riconoscere nella musica non soltanto la virtuosità, ma anche la testimonianza — un’arte della memoria, della trasformazione e del dialogo.

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